我喜欢看旅行照片,但有时候这些照片却相似到有些乏味——前景是一座小屋、几块石头、一片草地或沙滩,中间是一片湖水或海面,远方是群山或落日,最好是在一个稍微有些阴的天气里。

我经常拍这样的照片,所有人都是。但这是有问题的。有时候我们需要突破现有程序,打破我们认为照片就应该是这个样子的想法。我们需要开拓思路,并尝试做一些不同的事。

这里就有一些小技巧,能够帮你创作出独特的旅行照片。

1. 忘掉图库照片 关注日常生活

4个提高旅行摄影水平的小技巧

每当我们到底一个新的地方,首先能想到拍摄的,就是那些美丽的建筑、旅游景点以及其他能证明我们“到此一游”的东西。我们已经从无数的旅行指南和网络上看到了太多这类照片。我们希望能够自己亲手拍出这样的照片(而且也确实应该这样做)。但这些照片并不能反映出一个地方的内在精神和灵魂。

停下来,好好感受一下自己的感觉。是什么让你有了如此的感觉?是那些在夜晚亮起一盏灯,充满了来往熟客的小旅馆吗?是那些穿着高贵西装打扮入时骑着自行车去工作的人们吗?是大街上喧闹拥挤的车流吗?是街边的美食小店吗?是新鲜面包和奶酪的味道吗?

想一想,什么东西能够更好地反映意大利?是你经常会拍的大教堂和旧桥?还是一个穿着高档手工西装,走在潮湿的鹅卵石小路上,在一天的结束时带着新鲜面包回家的老人?

2. 将新与旧相结合

4个提高旅行摄影水平的小技巧

4个提高旅行摄影水平的小技巧

我们都希望能够拍摄另一个时空。我愿意付出任何代价去拍摄100年前的威尼斯和佛罗伦萨。但是,如果我们在路上只注意寻找那些50或100年前出现的东西,就会错过同样迷人的现代时刻。

试着把古老与现代的东西结合起来,就像上面这张照片。在古老的佛罗伦萨木门上,有一个现代的批萨菜单——这座城市的典型一幕。

4个提高旅行摄影水平的小技巧

3. 不要只看见落日

落日很棒,但已经落入俗套。如果你也和我一样,那么你的硬盘里肯定已经有上百张落日照片了——而且都大同小异。现在,把你的相机从太阳上移开,开始关注落日给当地建筑或风光带来的独特的颜色效果。

你还可以做得更多。在日落的前后一段时间内,光线的颜色变化得非常快,从橙色,到紫色,最后是蓝色。架上三脚架,拿一本好书,然后拍摄一系列不同色彩光线下的相同照片,把它们按顺序挂在墙上,效果会很棒。

4个提高旅行摄影水平的小技巧

4个提高旅行摄影水平的小技巧

4个提高旅行摄影水平的小技巧

4. 拍摄当地人

4个提高旅行摄影水平的小技巧

当地人最能反映当地,所以去拍摄他们吧。在一个繁忙的街区待上一两个小时,注意观察人们。记录那些当地人的日常生活。将这些照片,和那些当地建筑、日常生活、旅游景点以及你个人故事的照片放在一起,你就拥有了这次旅行的一个完整记录。

本文的要点并非是说你不该拍那些常规的旅行照片。你只是应该强迫自己在此之外有更多探索和尝试。试着去拍一些独特的与众不同的作品吧。

数码相机的光圈理论上相当于人眼球里的虹膜。 如果光圈开得很大,就会有大量的光线进入影像感应器;相反地,如果光圈几乎处于闭合的状态,那么进光量就会相对减小很多。 光圈数值是一个比值(分数),表示为1:2.8或者1:5.6这样的形式。可以用f/2.8或者F2.8这样的形式来表示光圈值。常见镜头的光圈系数一般有F1.4、F2、F2.8、F4、F5.6、F8、F11、F16、F22、F32(每一级在数值上是前面隔一级的一倍)……等级别,每一个光圈等级的进光量都是上一个光圈数值的一半。
如果你认为相机的光圈只是用来控制曝光量的,那你就真该好好了解一下在摄影中最重要的一项技巧,那就是光圈的大小会直接影响到拍摄对象的景深大小,要么背景完全清晰可见;要么景深很浅,使得照片上出现模糊的部分,从而让照片有了立体感。

基础中的基础:光圈的概念和用法

大光圈适合拍摄人像特写
在进行模特儿摄影时,由于照明的原因,人物身上几乎都会留下阴影。 如果直射的阳光过强,那么形成的阴影就会非常明显。 为了让相机的快门速度保持在一个合适的范围内,专业摄影师基本上都只会使用至少F2.8以上高进光量的大光圈。 有了这样的大光圈,光线通常就够用了。

基础中的基础:光圈的概念和用法

除此之外,大光圈还可以实现第二个目的,这就是可以让景深变得很浅,这样就可以把照片的重点都集中在要拍摄的人物身上,背景也就会因此而变得模糊。 在单眼相机中,这种效果可以透过相机的观景窗直接观察到。 同时,为了让拍摄的照片更鲜亮,也需要把镜头的光圈控制在大数值的范围内。 这样当你按下快门时,相机就可以用预先选择好的光圈数值拍摄出想要的照片了。

不过,仅仅是大光圈还不能让所拍摄的每张照片中的背景都足够模糊。 这是因为,只要焦距接近无穷远(这在相机上用「∞」表示),那么照片中所有在无穷远范围内可以看到的物体,都会清晰地显示在照片中。 因此在拍摄模特儿时,摄影师需要与模特儿保持较远的距离。 此外,为了让大光圈的效果得以实现,还需要使用长焦镜头。 通常在模特儿摄影中,需要使用300mm以上的超长焦距。

在人像摄影中,还需要把拍摄对象和背景区分开来。 不过在这种情况下,85mm左右的焦距就足够了。 这是因为与模特儿摄影相比,人像摄影只需要拍摄头部和上身就可以了。 当然,也可以走得离模特儿近一些来实现。

让背景模糊的方法 如果想让照片得到模糊的背景,可以透过下面两种方法实现。 1.在日光下拍摄时,只需缩短曝光时间即可。 例如,把曝光时间由原来的1/60秒缩短为1/125秒,这样就可以把光圈增加一个等级,比如从1:5.6提高到1:4。

2.如果要使用闪光灯拍摄照片,通常需要让快门与闪光灯同步。 不过为了减小影像感应器的进光量,还可以使用中灰镜,这种滤镜可以阻挡一部分光线进入影像感应器。

基础中的基础:光圈的概念和用法

近拍:在拍摄人像时,85mm左右的焦距就可以让背景变模糊。 F5.6适合人物和旅行摄影

拍摄旅行照片不允许慢吞吞地做准备,你必须迅速做出反应。 中等的光圈就可以让那些引人注目的题材有足够的施展空间。
我们很难为大家推荐拍摄人物和旅行照片的光圈,因为拍摄的题材和环境之间的差异很大。 不过,我们还是可以告诉大家一个良好的起点,在中等光圈下,可以根据不同的光线条件做出反应,缩小或者增大光圈。 在很多数位相机中都可以找得到的「风景」拍摄模式,所使用的就是中等光圈。 为了精确控制光圈的大小,应该选择“光圈优先”(Av)模式,或者干脆使用手动模式调整。
在旅行中,游客经常要拍摄的是风景、房屋或者城市风貌。 这些拍摄题材会因为画面中迥然不同的亮度而吸引观众的目光,因此相机中的自动曝光模式就难担重任了。 为了获得最佳的光圈数值,专业摄影师通常选择一组光圈范围。 他们先切换到手动模式,然后把光圈设定为中等数值。 接下来多次按下快门,然后增大或者减小光圈重复进行拍摄。 如果这样拍摄出的照片仍然无法表现出所有的光线效果,就只能在Photoshop中进行后制编辑了。 你要把照片依次摆好,然后利用遮色片修改曝光不足或过度的部分。 在拍摄远处的风景时,你就不能再期望得到模糊的背景了,特别是在拍摄风景中的细节时更是如此。在旅行中拍摄的新闻照片,要把周围的观众也放到事件当中去,画面上最好不要有模糊的地方。

拍摄有多个人的群组照片同样需要景深。 人像模式在这里就显得不合时宜,因为相机的自动功能会开大光圈。 在50mm的焦距下,F5.6到F8的光圈就完全可以表现出景深,这样就可以看清楚照片中的每一个人。 如果使用了更长的焦距,那么应该继续减小光圈或者距离拍摄对象更远一些,这样才可以让景深变大。

基础中的基础:光圈的概念和用法

团体照片:为了让在背景中的孩子可以清晰地显示在照片上,你至少需要选择F8的光圈。

慢门又称长曝光,是个既陌生又熟悉的概念,也是每个人摄影爱好者不可绕过的一个主题,很多新人常常会听到却不知道该如何上手,其实它没有大家想得辣么复杂,看完今天这篇文章包你入门!

一、什么是慢门?

慢门也被称为长曝光,当相机将现实场景转化成照片时,有几个关键因素影响了最后的成像效果――快门、焦距和光圈,而慢门顾名思义,就是指降低快门速度以延慢门时间的一种摄影技术,有别于我们常规认知的瞬间定格的手法。

慢门摄影系统详解与答疑

二、慢门的作用是什么?

最开始的慢门仅仅是为了弥补镜头光圈的局限和感光度的不足,通过延长曝光时间用来保证足够的曝光量。

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但随着技术的进步,许多人发现了长曝光的另一些独特作用,例如光绘、车轨、柔化水面,隐去移动物体等等,它把拍照这一瞬间活动变成一项长时间的记录。这是慢门的作用,也是它吸引人的地方。

慢门摄影系统详解与答疑

三、慢门需要什么设备?

其实玩慢门的门槛很低,大家不要还没入门就被自己吓到了,最基本的,(1)有一台支持慢门功能的相机就行。

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(2)当然,为了更好的效果还需要一支无线快门(快门线),用于降低相机的振动:

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(3)一支三脚架,用于稳定相机:

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(4)滤镜,为了减少光线的通量:

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四、什么主题适合慢门?

风光!无论是城市建筑还是自然风光都会经常用到慢门,一是为了柔化天空或水面,形成独特的长曝效果,增强视觉冲击力;二是获取更多的光线,丰富曝光细节。

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当然,除了风光,还多用于运动中的追焦效果:

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夜晚的光绘效果(包括星轨、车轨):

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隐去人群的长曝效果:

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配合重曝玩鬼影:

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五、怎么拍慢门

(1)参数怎么设置?
保证长时间的曝光,为此光圈和感光度就要相应的减小,光线的获取主要是通过时间的长短来决定。

慢门摄影系统详解与答疑
(2)怎么判断慢门时间?
尝试!现在不同于当年用胶片长曝,只能凭借经验和测光表来判断时间的长短。现在的数码相机可以即拍即看,画面暗或是效果不够就适当延慢门时间;过曝了就缩短时间,试个两三次就差不多了,慢慢自己也积累下经验了。

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(3)什么是ND滤镜?

ND滤镜也成为中灰密度镜,可用于非选择性的过滤光线,即对各种波长的光线的减弱效果是一样,所以不会改变画面的实际效果,只不过相当于加了一片滤纸,让光线更慢地通过镜头。因为慢门需要很长的曝光时间,有时候画面太亮时间长了容易过爆,减少了光线的流量,可控性也大多了。

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除此之外,还有一种GND滤镜,也称中灰渐变滤镜,顾名思义,通过渐变逐级减弱光线的通量,常用于大光比、明暗反差很强的画面,最常见的就是压暗天空,让天空和地面同时获得更合适的曝光。

慢门摄影系统详解与答疑

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(4)什么是摇黑卡?

摇黑卡和GND滤镜的作用类似,相当于手工版的GND滤镜,在长曝过程中,时不时用黑卡在镜头前摇晃,遮挡画面中的亮部,以平均整体的光线通量得到合适的曝光。不仅成本更低,而且能避免滤镜带来的画质减损。

慢门摄影系统详解与答疑
短时间的长曝摇不了黑卡,长时间则各有利弊,黑卡最大的好处是手工控制,最大的坏处也是手工控制,它允许你自己控制画面的减光量和区域,但却太依靠经验和时机。

慢门摄影系统详解与答疑

(5)方形滤镜和圆形滤镜有什么区别?

方形滤镜为通用滤镜,由一套滤镜和镜架构成,只需一套滤镜,所有的镜头均可使用;圆形滤镜为专用型滤镜,对应衔接在单独的镜头上,更换更加麻烦。

慢门摄影系统详解与答疑
方形滤镜多为渐变镜,方便为了构图而调整位置,滤镜组成本更低,但容易出现暗角和眩光的现象;圆形滤镜多为UV、CPL和ND镜,固定在镜头前,不影遮光罩也不会有暗角,但是缺点是不可移动,不同孔径需要不同滤镜,成本更高。

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六、后期要点

慢门的后期其实和常规片没有太大的区别,但有两点需要提一下,一是HDR效果,长曝得到的曝光细节已经足够丰富,再加上使用渐变镜或是摇黑卡,整体曝光已均匀准确,动态控制和细节也都已完善,如果再加上HDR效果反而容易画蛇添足。毕竟只是一种算法,如果真的想HDR,直接包围曝光加堆栈不就行啦,何必用慢门呢?

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二是黑白,这是一个小技巧,慢门似乎天生就和黑白很配,因为两者都是超越我们肉眼的一种认知方式,如果你把握不好对慢门的后期,不妨处理成黑白试试,瞬间气质就变了。

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七、总结

最后,我们从新手的角度来梳理一遍,慢门要怎么入门:

(1)慢门摄影也就是长曝光,只是一种延长了曝光时间的摄影技巧;
(2)慢门的作用一是为了获取更多的光线,二是制造特殊的长曝效果;
(3)慢门多用于风光片的拍摄,达到延时的效果;同时也用于追焦、光绘、重影以及隐去不必要元素等特殊效果。
(4)拍慢门,你需要一台支持慢门的相机、一支三脚架、一只无线快门(快门线),一片ND或是GND滤镜。
(5)拍摄时,注意曝光组合的设定,多尝试多总结。注意GND的使用和摇黑卡技术。
(6)后期尽量控制HDR效果,可以尝试处理成黑白。

是不是很简单,关于慢门和长曝你已经入门了!

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在这篇文章中,我们将为大家系统地讲解一下彩色摄影。可能很多摄影人会问彩色摄影有什么话题讲?的确,彩色摄影早已成为主流,我们的世界充满色彩,大家每天都在拍彩色照片,可能觉得毫不困难,不过想要拍摄精彩的彩色照片,让人眼前一亮,还是要从最基本的彩色摄影知识起步,看看什么是色彩、怎样才能善用颜色、还有色彩和感知的关系等,才能让令你的彩色作品更出色。特别是对于新手,理解了色彩的理论,能够为你省下太多的错误成本。

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彩色摄影一直在被忽视

如果我们说彩色摄影一直被忽视了,可能大家觉得说得过重,不过很多在数码时代成长的摄影人,拿起数码相机的一刻,就是拍摄彩色照片,他们眼中看到的也是彩色世界,一切来得多么自然。但是,看到了、拍到了,但不一定拍得好,有经验的风景摄影师明明看见风光如画,还是不肯随意举机,就是因为他们觉得色彩不够完美,即使是蓝天白云,他们也可能觉得饱和度不够、对比不明显,而对初学者来说,就太容易满足从而按下快门了。

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中间的差异就是对色彩的认识,如果完全不知道什么是色彩的对比、什么是色彩的感觉、如何突出色彩那往往就是看见什么就拍什么,那就不懂得选择更恰当的时间和机会,寻找更好的角度拍摄更佳的彩色照片。

数码摄影本是黑白

数码摄影本来是黑白?是真的,CMOS或CCD其实不能分辨颜色,他们只能读取光线强弱的数据,所以聪明的科学家在CMSO和CCD上面装上了RGB滤镜,让每个像素只读取R、G、B一种色光的强弱,然后在影像处理芯片中混合出千变万化的色彩。
如果你翻查资料,最早出现的数码相机只能拍摄黑白,那时已经是彩色菲林年代了,但由于CCD和CMOS还没有装上RGB滤镜,所以只能拍黑白,后来才出现彩色数码摄影。

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彩色摄影简史

我们的世界充满色彩,但唯一能「真实」地记录我们世界的摄影术却是由黑白开始的,当摄影术于1839年公诸于世时,只能记录光影的明暗,换言之,早期的摄影术只能拍摄黑白影像,但人类根本没有满足于这一种单色(Monochrome)的影像,早在1840年代初就开始有人研究如何记录彩色的影像,在其后的一百年间,多位科学家和摄影家分别就记录及重现彩色影像的技术进行过不同的研究。早期彩色影像的显现了保存效果并不理想,但期间一直都有改良,令完善的彩色摄影终于在二十世纪初得以实现。
苏格兰科学家詹姆斯‧ 麦克威尔(James Clerk Maxwell)于1855年首先提出三色的理论,英国摄影师汤马士‧萨顿(Thomas Sutton)引用这一套理论于1861年造出人类第一幅彩色照片,但当时的彩色影像技术距离能够真正重现真实的色彩还有极远的距离。
到1930年代,美国的柯达(Kodak)及德国的爱克发(Agfa)分别推出更方便的Kodachrome及Agfacolor彩色菲林,才正式令摄影进入现代的彩色摄影世界。到了上世纪八十年代,当人们往摄影店铺购买菲林时,已再没有人会问要黑白的还是要彩色的,因为摄影在那个时候已经全面进入了彩色时代,黑白摄影自此变成摄影艺术家的玩意了。甚至,连极讲求速度的新闻摄影亦已在1980年代中进入彩色年代。可以说,摄影进入数码年代,也就是一个彩色的数码影像年代,仅有极少数摄影家仍坚持以黑白菲林拍摄,或把彩色的数码影像转为黑白影像展示。
虽然时至今日,数码摄影是彻彻底底的彩色摄影世界,拿起任何数码相机一按快门,便可以得到极佳的彩色影像,但由于色彩是极复杂的影像元素,学习摄影若能对色彩多作了解,对利用色彩作艺术的表达或讯息的表现,均十分有用。

1855年

苏格兰科学家詹姆斯‧ 麦克威尔(James Clerk Maxwell)首先提出三色的理论。

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上图其实不是彩色摄影,而是在黑白照片上涂上色彩,费利斯‧贝亚托(Felice Beato, 1834-约1907)在1863年到1877年于日本拍摄的照片。

1861年

英国摄影师汤马士‧萨顿(ThomasSutton)引用这三色的理论造出人类第一幅彩色照片。

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上图为1861年,麦克斯韦让伦敦大学国王学院的讲师兼摄影师托马斯‧萨顿,为他的试验制作彩色负片。

1907年

法国卢米埃尔(Lumiere)兄弟成功发明第一种商业可行的玻璃片彩色影像技术Autochrome。

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乔治‧萧伯纳是一个热爱摄影的人,上图是萧伯纳拍摄科伯恩的人物照片。

1907年

美国的柯达(Kodak)及德国的爱克发(Agfa)分别推出更方便的Kodachrome及Agfacolor彩色菲林。

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1938年,威廉姆斯拍摄的菲斯塔威尔陶器照片,当时已经开始出现彩色菲林。

1970-80年代

摄影全面进入了彩色时代,黑白摄影自此变成摄影艺术家的玩意了。

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新世纪来临时,数码摄影开始取代菲林摄影,拍摄彩色影像已经是必然的事,黑白影像反而通常由彩色照片去色。

色彩只是电磁波

严格来说,物体本身其实并不存在固定的实质颜色,我们看见物体上的颜色,其实是看到物体表面所反射不同波长的光波,因此,物体的颜色会因为照明的色光而有所变化,例如我们看到绿色的树叶只是因为树叶只能反射绿光,而吸收了光谱中其他的色光;而严冬的雪地会把光谱中大部份色光全部反射,所以我们便能看白皑皑的雪地,反之,黑色的物体则把绝大部份光色吸收,所以就看不见有色彩,题外话,亦由于黑色物体吸引了大量的光,因此,阳光下的黑色物体比白色物体更热。
由于物体的颜色由其反光的情况及照射的光线所决定,因此,若光源的光谱改变了,那么它的颜色也因此会改变。例如,在正午日光下,我们看见的「白纸」是「正常」的白色,但在到了黄昏时看同一页「白纸」,就因为光谱中的波长长了,令色调中的红调重了,「白纸」便会偏橙红色了。

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我们之所以看到景物上的颜色,是因为景物表面反射不同波长的光波。

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可见光的范围

我们看到的光主要来自太阳,亦即是自然光中的日光,随着时日及天气的变化,我们可以看到不同的偏色的光;原因是白色的日光光线的光谱其实由一系列不同光波的色光所混合而成,当它们经过大气层被折射及反射后就会出现不同的偏色。其实,在雨后的空中出现的彩虹,就是大自然的光线折射,我们就从中可以看到光谱中的连续变化七种主要的色光,即由红、橙、黄、绿、青、蓝及紫。我们利用三镜便可以把光线折射成彩虹色带,不同的色光立现在眼前。

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这七种色光其实是一个光波的范围,亦即是人眼所能看到的色光范围,大约由380至780纳米(nm)之间,红色的波长最长,大约由780至620纳米,而人眼可见最短的是紫色,大约介乎430至380纳米之间,超出这两极限分别是红外线(Infrared)及紫外光(Ultraviolet)。虽然我们所见的色光范围,就是这两者之间的范围,但对于摄影而言,特别是数码时代的摄影,我们也不可以忽略红外线及紫外光在摄影创作上的可能性及影像。

色彩因光而存在

彩色其实是一种十分抽象的东西,它可以说是人类的一种「视觉感知」,既不能触摸,也并无固定形态,在物理上,它是光谱中的波段,没有光,就没有色彩,当我们见到色彩时,必定依附在一种被光线照射下的形体上,由于色彩与光有不可分割的关系,在全黑的情形下我们看不到任何东西,也就看不到任何色彩。但这是否意味着只是因为没光而令我们看不到「在黑暗中的色彩」,而色彩本身仍然在黑暗中存在呢?答案是否定的,因为没有光线,色彩也就不存在,色彩因光而存在,不同的色彩,由不同的光波形成,所以没有光也就没有色了。

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没有光就没有色彩,光线和色彩是密不可分的关系。

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光源对色彩的影响

当光线照射在物体的表面上,会把部份的光波吸收,并反射出其余的,因此我们便看见「该物体的颜色」,但其实我们看到的是该物体所反射的光波。由于物质的反光特性,只能反射出特定的光波,例如红的苹果,只能反射出红光,因此我们在正常的照明下便可以看见红色的苹果,若光源中缺少了红色的光波,这意味着我们只能看到一个黑色的苹果。有传统黑房冲晒经验的摄影人都知道,绿色的物体在红色安全灯照明下,会变为黑色,这是因为该绿色的物体只能反射绿光,而黑房中的红色安全灯缺少了绿色的光波,所以该物体便无从反光,因此变成黑色。
所以,物体能否反射出某种色光,或反射出怎样的色光,亦取决于光源是否含有该范围的光谱,因此,物体显现的颜色是取决于光源及物体双方的物理现象。

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物体能否反射出某种色光,或反射出怎样的色光,取决于光源是否含有该范围的光谱。

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色彩恒定知觉是什么?

例如在晴朗的正午时份,一切颜色看来尚算正常,但当到了下午二、三时左右,一切东西的颜色看来没有多大的分别,可是实际上色光已有了轻度的改变。
在正午阳光下所看到的白色纸张大概是标准的白色,但到了下午三、四时左右,由于色温降低了,所以阳光其实偏黄,白纸看来应该稍带微黄,但一般人看在眼里,却未必察觉到这一种改变,为什么呢?这是因为人脑会把视网膜产生的色彩讯号和大脑对白纸认知的讯号混合了,我们于是把偏黄了的白纸仍作白纸看待,或大大减低了偏色的感觉,称为「色彩恒定知觉」(Retinex),由于物体的颜色(我们所能看见的色彩)由投光射光线的光波及它对光的反应(吸收、反射或照透量)来决定,但我们对熟悉物体却有一内向反射的预定色彩,只要偏色相差不太远,但我们的脑袋也会接受它,被它「瞒骗」。
我们可以做一个简单的实验,在阴天的日子,阳光透过厚厚的云层照到大地,色温略高,有点偏蓝,如我们在室内以灯泡照明下阅读好一会,把头向窗外望,会看到极偏蓝的景像,原因是我们习惯了偏暖的色温,把较偏黄的都理解成没有那么黄的淡色,甚至白色,一旦改变到较高的色温,就看到较蓝的画面了,只要持续看一会窗外的环境,偏蓝的情况又会得到改善,没有那么蓝了。

拍摄时被感知瞒骗

我们视觉对色彩的这一种主观性的认知偏差,经常会导致摄影师在拍摄前看错了色彩,或对存在的偏色不能察觉出来,导致拍摄出来的影像带有严重的偏色,例如利用数码相机在绿叶茂盛的树林拍摄人像, 周围都是绿色的一大片,反射出大量绿光,与日光混合照在人脸上,人脸实际上偏绿了,可是这种种偏色在现场的人却不易看得出,因为「色彩恒定知觉」令我们的思想作了适度的调节, 其实对色彩造成一种「错觉」。若即场监看数码相机拍出的影像,便可以看到人像皮肤的偏色情况。无论以往的菲林或现今的数码相机都没有这一种「色彩恒定知觉」,它们对色彩有绝对的洞察力,一丝不苟,可以把「绝对」的色彩记录下来,得出人眼在现场看不出的色彩倾向,所以学习彩色摄影,必须先学会「看色」,凭经验分辨出不同照明下的偏色程序,不要再受惯性的愚弄,以免拍出偏色的照片。

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在现实环境不同时间的阳光引致色光改变,但我们可能一点都不察觉。

色彩的错觉

上文提及在红灯下看绿色物体的例子是一个比较极端的情形,若光谱中只是某一部份加强了或减弱了,令色光有了轻度的变化, 那么, 照射到物体上的光本身就带有「偏色」,令其所反射的色彩也有差异,颜色实际上会改变了,但通常人眼不易察觉到这些微妙的轻微偏色,原因是大脑对物体的色彩有既定的感知倾向,亦即是对熟悉的物体或环境有了色彩的错觉。

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上里面有说道关于色彩的一些基础理论,我们继续说说关于色彩的一系列科学的分辨方法,从根本去认识色彩!

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色彩点样分类

在我们一般的概念中,颜色不单止是红、橙、黄、绿、青、蓝、紫,以至其间的变化,浓一些、淡一些或暗一些与光一些的,都是颜色可能的变化,再加上不同颜色的混合,令色彩可以有无限的变化;除此之外,一般人对颜色的观念还有「黑色」、「白色」以及不同深浅的「灰色」,但在摄影的观念上,黑、白、灰均属中性色,在彩色理论中,黑白及灰属于「无色」。
要掌握色彩在摄影中的作用,要先学会分辨色彩。色彩可以三种属性去作分辨,分别是色相(Hue)、饱和度(Saturation)和明度(Lightness),这三种属性能把色彩带出不同的变化。

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透过颜色轮,我们可以简单了解到颜色分别是由色相(Hue)、饱和度(Saturation)及明度(Lightness)来变化。

我们熟知的是,红色、橙色、黄色等,光波较长的颜色属于「暖」的色调,给人温暖、热情及活动的感觉。

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但也应该知道。

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色相 (HUE)

色相(Hue )是指基本彩色,即是红(Red)、洋红(Magenta)、蓝(Blue)、青(Cyan)、绿(Green)、黄(Yellow)之间的循环变化,其间的变化是连续和渐变的,可以利用色相环(Hue Wheel)表示。
在色相环中,正对面的两种色彩之间的关系是互补色,例如红色(Red)对面的青色(Cyan)就是互补色,它们之间有最强烈的对比,摄影的画面上用上对比色就会出现最强的颜色反差;反之,在色相环中邻近的色彩属类似色,在摄影的画面中使用类似或连接的颜色,画面就会显得调和。

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饱和度(Saturation)

基本上,单一色彩本身,可以由本身的浓淡度变化出同一调子的不同深浅的颜色。任何色彩可以由最浓的饱和色慢慢淡化至「无色」,变化出不同浓淡的灰色。当色彩最浓烈时,亦即是彩度最高,是极鲜艳的颜色,正常的影像不应有这一种最浓的色彩,色彩一旦超乎正常的饱和度,就是过份饱和,令影像看来极不自然。

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明度(Lightness)

除了「色相」及「饱和度」外,色彩的明度变化也可以使色彩看来不同。明度指的是色彩的明暗度或色光照明的强度,当色光的强度较大时,色彩看来会相当明亮;当明度加强,色彩可以由正常变为明亮再变成过曝,色彩就会随之消失而变到白色。但当色光减弱时,原本正常的色彩看来变成暗晦,并于再减弱时变为黑色,要实验这点,可以利用数码相机的曝光补偿作±5EV的曝光,拍摄鲜色的主体看看颜色由正常变黑及变白的情况就可知了。一般商品摄影惯用的由彩色渐变到黑色的背景,便是利用一种颜色不同的明度变化来造成的渐变色的效果。

如何活用色彩?

由于色彩的变化多端而且无阶段,因此色彩的辨别便十分考功夫,但基本上视力正常的人可以在受控制的环境下轻易分辨出光谱中各主要色调,以及黑、白及灰色和其明亮及饱和度的变化。
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色彩对人类来说的实际意义可能只是主观感受。

摄影必备超系统详解色彩理论

对色彩的盲点

可惜,在变化多端的拍摄环境,人眼极易受到「色彩恒定知觉」的误导,而一般人对色温的微妙变化也不会太在意,加上色彩的喜好与个人经验和潜意识有关,个人对色彩的取向及喜好,有可能影响摄影上的表现,所以作为摄影人,我们必须剔除内心对色彩的偏颇,并依据不同的实况评估出不同的色彩误差。例如在钨丝灯下拍摄,眼见的「白色物体」实际上已非纯白色,但惯性告诉我们它是「白色物体」,作为摄影师,必须要知道「白色物体」在偏色的光源下已偏了色,要进行白色平衡的矫正才能得出真正的白色。

原色、混合色与补色

色彩可以分为原色(Primary Colour)及混合色,原色一般指色光三原色,即是红光、绿光及蓝光,简称RGB,即是红(Red)、绿(Green)及蓝(Blue)三色的英文简称,它们是人类对色彩认知的最基本颜色,不单最常用,而且利用它们可以混合出其他色光。至于混合色,顾名思义,是可以用两种或以上的色光混合而成的颜色,例如黄光,便是以红光及绿光混成;青光便是由蓝光及绿光混成,所以便称为混合色光。

色光三原色――RGB

所有可以用其他色光混成的色光,都是混合色,只有三原色的色光不能由其他色光混成,它们是红(Red)、绿(Green)及蓝(Blue),简称RGB,当相同密度的三原色光混合在一起时,便可以产生纯白的光。如要实验,可利用三个相同的白色光源分别加上三原色透光片,令它们可以投射出RGB三原色光,并投射向同一位置,三种色光共同照射的位置便会显现白色。由于用红光(R)与绿光(G)混合便产生黄光(Y);红光(R)与蓝光(B)混合便产生洋红色,蓝光(B)与绿光(G)混合便会得出青光(C),因此,若青光(C)、黄光(Y)及洋红(M)三种色光混在一起,也会产生白色。

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进一步说,利用红光(R)及青光(C)两种光混合,也可以产生白光,原因是青光分别是由蓝光及绿光混成,红色光混合青色光,便等于红、蓝、绿三种色光混在一起,所以便成了白色。如此类推,绿加洋红(Magenta)或蓝加黄(Yellow)也一样可以得出白色光。因此,以上的红(R)青(C)、蓝(B)黄(Y)及绿(G)洋红(Y)三对色彩,称作互补色(Complementary Colour)。每一对互补色均有最高的色相对比(Contrast ofHue),对色彩视觉有最大的刺激,可以营造出十分悦目及活跃的画面气氛,因为摄影师可以因应需要利用高色相反差来制造刺激的画面,反之,若想影像看来略为和谐,则要避免色相的强烈相比。

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色彩都有意义?

由于色彩其实是不同波长的电磁波,投射到物体上再反射出来,让我们可以看到千变万化的色彩,因此,物体的色彩会随着光源光波组成的不同和物体的反光情况而有所改变,所以色彩本身并无特别的意义,意义来自反映它们的物体或它们出现的环境,由于人类是主观的动物,对于任何东西均可以联想出延伸的意义,在这个层面上来说,色彩也就被赋予了意义,但这一种意义实质上只是我们主观的感觉。

色彩的冲突与和谐

虽然早期的摄影家或科学家努力研究摄制彩色照片的方法,其实旨在记录及重演真实世界的色彩,但随着色彩摄影科技的成熟,彩色在摄影艺术上的角色不再仅是重现世间的色彩,而变为艺术家艺术表现的一种手段,摄影不再仅是利用彩色菲林记录色彩,而且利用色彩作为表现的手法、表达的工具。不同的艺术家利用浓淡不同的色彩表现不同的情绪,利用色彩之间的冲突,强调影像间的矛盾或凸显主体,又可以利用和谐的色彩展现色彩影像的美感,抒发艺术家的感情。

摄影必备超系统详解色彩理论

摄影必备超系统详解色彩理论

其实,色彩本身是抽象的,色与色之间的「和谐」和「冲突」其实是指色与色之间在色相中的位置和关系,以画面中色与色之间的变化是突变的,抑或利用了担当「桥梁」的过渡色彩使画面中的色彩变化显得自然。当然,当中涉及配合的时间,重视彩色摄影艺术的摄影师可以十分讲究,但对纪实摄影师而言亦可以不当作一回事。

摄影必备超系统详解色彩理论
生活中和谐的色彩,以和谐的色彩组成的画面往往能令人有一种舒服的感觉,要获得这一种「和谐」必须注意过渡色彩的巧妙运用,为主色与另一主色之间加上过渡色作「桥梁」,降低两主色之间的冲突,画面看来便「和谐」了。比较常用的方法,便是把同一色调;不同亮度或饱和度的色彩作渐次的配搭,由浅到深,由浓至淡,便会产生和谐的感觉。一般来说,以同一色调拍摄的画面,某程度上是较为讨好的。

另外,也可以利用色相的渐变令色彩的变化显得先后有序,也可以令画面的色彩显得和谐。但当这些过渡色彩阶段变化不存在时,两种或以上的强烈的色彩连接出现时,画面便显得硬了一点,甚至可以说是一种「冲突」,但这一种色彩的「冲突」并非一件坏事,有一些题材往往要靠色彩的「冲突」来加强它的冲击力,以表现一种紧张或幻想的对比。

摄影必备超系统详解色彩理论

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色彩的冷暖与动静

除了要注意画面中的色彩和谐与冲突所造成的视觉心理效果外,更多人谈及的是色彩心理问题,相信就是色调的冷暖问题了。红色、橙色、黄色等,光波较长的颜色属于「暖」的色调,它来自火光,给人温暖、热情及活动的感觉,当中尤以鲜红色为甚,其刺激能力能使人感到紧张或情绪不安,所以暖色调不宜用以表现太静态的题材;反之,绿、青、蓝等色却予人一种较静的感觉,使人看了产生冷静及安定的情绪,所以被称作冷色调,例如冰雪的蓝调。

摄影必备超系统详解色彩理论
当然,这种色彩的冷暖只是人类主观的情绪反应,并非绝对的准确,因为人类对色的理解亦会因此不同的文化背景及个人背景而有所影响,但大致上来说,要借助色彩给予人的力量,而加强自己作品意念的表达力,必须依从大众对色彩的主观理解。

许多摄影师都热衷于风光摄影,神秘的大自然对他们总是充满了诱惑。但经验丰富的风光摄影师也有陷入误区的时候。今天我们整理出了风光摄影师在拍摄时常犯的错误,并针对这些错误给出了改进建议,让大家在以后的拍摄中避免犯错。

水平线

对于手持相机时保证相机处于水平位置,有些人很有天赋,而有些人却完全相反。当你用一个不寻常的角度去拍摄风景时,很难确保拍出来的照片能与地平线保持水平。如果在拍摄时无法得到与地平线水平的照片,只能通过后期旋转或者裁剪来修正,这样就意味着你必须放弃一开始的构图,所以如果能避免后期裁剪就尽量避免吧。
下面介绍两个在拍摄时保证与地平线持平的方法:
想要保持好地平线的水平,最简便的方法是使用热靴水平仪,使用时安装在热靴上,通过观察气泡调整相机使之处于水平位置就可以。
如今大多数单反相机都自带电子水平仪,电子水平仪有一道水平线,调整机身处于水平位置时会出现一条水平的绿线,不然,则需要继续调整机身水平位置。

风光摄影师在拍摄时常犯的错误与改进建议

景深

除开个别风光创意摄影不谈,大多数风光照片都要求要有较大的景深以保证前景和视野的清晰。大多数情况下大景深能通过小光圈、小焦距、远距离来获得。
以往,传统的风光摄影师都专注于超焦距,所谓超焦距,是指当镜头对焦在无穷远时,从超焦距到无穷远这段距离内的物体,在相片上都清晰,而近于超焦距的物体都模糊不清,也就是说当镜头对焦在无穷远时,景深是从超焦距到无穷远。
虽然有些镜头上刻有景深表刻度,但现在摄影师更热衷于使用手机软件,通过选择镜头焦段和光圈数值,来计算出景深范围、超焦距等,这样就能简单又准确的获得清晰的风光照。

风光摄影师在拍摄时常犯的错误与改进建议

川西行―金川 作者:我行我素800 ——www.fsbus.com

 

前景

当我们看到一个场景,眼睛总会被有趣的细节吸引,自动忽略那些无趣的地方。不管怎样,平凡又无趣的前景就像一个屏障,让观看图像的人觉得这张照片没有亮点,这种情况其实很容易避免。可以像例图,选择一片花海或者海滩上的几块巨石和贝壳等作为前景。

风光摄影师在拍摄时常犯的错误与改进建议

光线

专业的摄影师愿意为一束光线等上几天,几个星期,甚至是几个月。光线的质量会给图像带来巨大的差异,明亮的光线能给生命带来色彩,突出土地的轮廓。相反,黯淡的光线会使图像看起来沉闷无趣。然而,就算是最热情的摄影师也不一定有抛开一切,享受等待光线的时间。因为许多人只能在工作以外的时间进行拍摄,这自然意味着只要有时间,这些摄影师就想尽可能多地拍摄,不过多在意光线和天气。
面对不理想的光线,可以试着切换成黑白模式进行拍摄。通过后期调整对比度、减淡、加深等工具让照片更大气。

风光摄影师在拍摄时常犯的错误与改进建议

黑白新都桥 作者:格式昨天

 

发白的天空或发黑的土地

在拍摄中经常遇到这样的问题:天空与地面的光差很大。很难拍到天空、地面都同时曝光正常的照片。经常是天空曝光准确,地面就会曝光不足而变黑;地面曝光准确,天空就会曝光过度而变白。
解决这一问题的传统方法是通过中灰渐变滤镜来适当地压暗天空,也有的摄影师采用HDR技术,合并不同曝光的多张图像来得到整体曝光较平均的图像。

风光摄影师在拍摄时常犯的错误与改进建议

构图

遇到美景冲动地想按下快门时,最好先环顾现场,寻找理想的拍摄角度。在这里还是要提到经典的三分法则,因为人的目光通常会落在画面的三分之一处(无论从上到下还是从左到右),而九宫格的四个交叉点又被称为趣味中心,拍摄时最好打开相机内的网格,尽量把景物放在趣味中心上。
同时也要避免地平线位于画面中央,在保证地平线水平的的前提下,如果天空更有趣,就让地平线低一些,分给天空更多的空间;如果大地更有趣,就把地平线提高,让人们更多地关注地面。

风光摄影师在拍摄时常犯的错误与改进建议

黑白新都桥 作者:格式昨天

 

日常生活中充斥着各式各样的几何图案,小到布制品上的花纹,大到建筑物的外观设计,往往能带给人们特殊的视觉感,有时若再加上特别的拍摄角度,更能让人有惊奇的感受。学会留意身边的几何设计,不仅是摄影眼的培养,也能提升视觉设计的审美能力。

几何摄影中色彩与构图的秘密

几何图案在哪里?

看了其他摄影师的几何图案摄影,于是好想拍摄同样题材的作品,但几何图案在哪里呢?答案是:「在你心里。」(编按:瞬间被鸡蛋、西红柿和鞋子砸中。)生活在现代社会,生活周遭其实充斥着几何设计,就怕你发现不了。虽然有的人天生对图形的有敏锐的观察力,但其实经过后天的练习,也是能培养起一定的敏感度。
通勤的路上不要顾着看手机,不妨多留心观察四周是否存在有趣的几何图案,可用手机纪录下来,再思考是否可用其他视角,甚至结合光线变化来呈现不一样的效果。久而久之,或许就连无意间地向窗外一瞥,也能发现与众不同的风景。

几何摄影中色彩与构图的秘密

几何摄影创作小技巧

生活中存在的几何图形可大概分成两种,即「规则」及「不规则」图样。

规则几何图案:无限延伸
规则几何图案往往在图案形状、颜色及线条上明显重复,呈现某种规律变化的花纹效果。在现实场景中拍摄这样的几何素材时,可就依其像花纹的特性,让图样占满画面,制造无限延伸的感觉。例如拍摄大楼或公寓的阳台设计,不用将整座大楼都纳入镜头,而可取局部拍摄出几何图形的样子。

几何摄影中色彩与构图的秘密
几何摄影中色彩与构图的秘密
几何摄影中色彩与构图的秘密

不规则几何图案:抓住主体几何视觉
相对来说,不规则几何图案有时会比规则图案更有意思,他们严格的说他们并不是规则重复的花纹,但却又依着某种规律延伸着,往往能带给人们更多元新奇的感官效果。拍摄这样的图形时,在构图时可能需要多考虑一下,决定想要表现的几何效果,包括对称、平行、交错、放射、回旋、远处延伸等,采用不一样的角度,拍摄非同寻常的作品。

几何摄影中色彩与构图的秘密
几何摄影中色彩与构图的秘密
几何摄影中色彩与构图的秘密

几何图案中的点缀
有时在拍摄清一色单调重复的几何图样时,若能多一点不一样的人或物的点缀,往往能起到画龙点睛的作用,让画面更出彩。必要时,也可通过将规则重复的图案部分破坏的手法,使画面变得有趣起来。在穿插特别物件时,可结合摄影的黄金构图法来安排位置。

几何摄影中色彩与构图的秘密
几何摄影中色彩与构图的秘密
几何摄影中色彩与构图的秘密

其他小叮咛
无论如何,在进行几何图案的摄影创作时,记得你想要呈现那种几何效果,在拍摄时要构图,比如说想要呈现对称效果时,要注意中心对称轴的位置;想拍摄水平平行效果时,注意画面要水平对准,不要倾斜等。几何图样不仅是平面设计的良好素材,对于摄影来说一样有许多不同的创造性,就看你能不能自如运用咯!

几何摄影中色彩与构图的秘密
几何摄影中色彩与构图的秘密
几何摄影中色彩与构图的秘密
几何摄影中色彩与构图的秘密

说起摄影里的“扫街”,不少影友非常熟悉,这句“黑话”可不是环卫工人天天工作的那种哦,而是特指在街头的拍摄,讲求画面的真实性,多数不进行摆拍,而是在逛街中,捕捉日常生活中种种动人的细节和瞬间。

扫街很容易,拿起相机走到街上去,开拍即可。但是同时扫街也是摄影里最难的一个种类,街上人来人往,纷繁杂乱,要在其中捕捉到动人的瞬间,可真不是一件容易的事情呢。

街头纪实摄影经验谈
湖南株洲,湘江之滨,一位在江边的建筑废料堆玩耍的少年,他举起双手,希望和心灵仿佛在这一刹那间飞翔,越过大江,越过城市,直到远方

不少中外摄影史上鼎鼎大名的摄影大师,比如纪实摄影之父创立“决定性瞬间”理论的亨利·卡蒂埃-布列松,无数次拍摄中国的马克·吕布,日本著名自由摄影大师森山大道等等,无不将大量时间放在街头摄影上,通过捕捉普通人的日常瞬间,留住了一个又一个经典瞬间,作品感动着无数的人们。甚至可以说,通常帮助人们记住那些历史和时代的摄影作品,往往不是什么惊天动地的大事件,而是记录常人生活的细节、记录时代特征的街头摄影作品。

街头摄影的观念和思路

街头纪实摄影经验谈
广州西关老城区,一家普通的卖鱼摊档,店里的猫儿突然回首

毋容置疑,街头肯定是反映我们这个时代的文化和特征的最重要场景。

刚开始扫街的时候,往往会有找不着北的感觉,街上是如此丰富杂乱,许多事件在同时发生,转瞬即逝,我们应该如何能寻找并在最恰当的时间记录下哪些最精彩的瞬间呢?

在这里,有必要先转述一下最基础的理论,布列松提出的“决定性瞬间”,他认为,世界凡事都有其决定性瞬间,即被摄事物的形式和内容在这一时刻恰到好处地构成一幅和谐的画面。他用极短的时间抓住事物的表象和内涵,并使其成为永恒。

布列松的摄影终身都坚持抓拍,但他的作品里面完美的构图与传统的绘画美学相兼容,使这些瞬间令人惊叹。“决定性瞬间”理论从五十年代被提出以来,虽然被不断质疑和打破,但是直至今日,仍然是中外一代又一代纪实摄影师入门的必修一课。

对于扫街,我们首先必须确认的是拍摄的意图和主题,否则必然会流于浮光掠影和走马观花,有些摄影师会执着于拍摄即将消逝的历史建筑和人文瞬间,也有些摄影师专心记录那些最有我们这个时代特点的人和事,还有些摄影师会在街头寻觅展现人性光辉、感人的庸常生活细节、记录突发事件、冲突和纷争……等等。但是万变不离其宗,只有记录能感动自己的事物,才能够使照片能感动别人。摄影作品里东西方艺术共有的人道主义精神,平等、悲悯、同情等折现人性的感情永远不会过时。

但是,街头摄影也必须具备自己独特的视觉,尽量选择别人没有拍过的主题或场景或拍摄方法,通过照片阐述自己的观点和立场,也是必不可少的。否则在影像爆炸的今天,没有个性的照片必然会被淹没,不会给观众留下太多印象。

街头摄影器材的选择

街头纪实摄影经验谈
广州西关老城区,按着爷爷教的方法,一起练字

由于街头摄影的瞬息万变和丰富多彩,快门时滞较短的单反或旁轴相机是扫街的首选,体积小不宜引人注意的旁轴相机是理想的选择,当然数码DC扫街也可以胜任,不过DC由于快门时滞较长,需要对相机有相当的熟悉程度和对事件发生准确的预测,才能留住最精确的瞬间,而且扫街往往要用到连拍,相机的连拍速度也应该被考虑。

街头纪实摄影经验谈
广州琶洲会展中心,逛展览逛累了的一家三口

传统的摄影理论里,街头摄影一般建议使用28mm-50mm焦段的镜头,因为这个焦段的镜头往往具备更立体的景深和符合人的视觉习惯,使得记录的场面具备真实感和空间感。而太广或长焦镜头不建议使用,广角的镜头往往会带来强烈变形和画面内容过多杂乱,一般只适用于狭小的环境或追求广角变形带来的视觉冲击力的场景。长焦镜头往往由于视角过窄,不利于交代环境,同时长焦的视角压缩了景物间的透视感,容易使画面丧失现场感和空间感。

街头纪实摄影经验谈
广州西关老城区,小巷深处快乐的童年生活

不过镜头的选择也要视乎个人风格,如果喜欢保持距离感或主体难以靠近的拍摄,长焦镜头也是不错的选择;如果喜欢广角的视觉冲击力,或者对画面控制的好的话,广角镜头扫街也是可以的。

街头摄影的抓拍、偷拍与沟通

一般来说,扫街的时候需要抓拍的时候特别的多,要求场景自然真实,不干涉拍摄的对象。那些最自然、最生活的才是最有价值的。抓拍事先可以预测的,只要背着相机出了门看到什么拍什么。深入生活,是抓拍的灵魂和真谛。

街头纪实摄影经验谈
春节前夕,广州广园汽车客运站,天气虽然寒冷,行李虽然沉重,却挡不住归家的期盼心情

抓拍的时候必须眼明手快,该出手的时候毫不犹豫,抓住最精彩的瞬间。笔者为了练习快门的精确性,曾经多次在坐火车的时候拍窗外的电线杆,力求每下快门按下,电线杆正好位于黄金分割点处才算及格,有兴趣的朋友不妨试试这种练习方法。

抓拍也必须要求拍摄者要对事件的发展趋势要熟悉,大概可以预测接下来要发生的事情,对该何时按下快门心中有数,才能胸有成竹,抓住想要的瞬间。

街头纪实摄影经验谈
成都街头,快乐的打公用电话的姑娘

当遇到合适的光影和场景,等待也是扫街常有的事情,选一个合适的场景,等待合适的人物出现或者合适的事件发生,再用抓拍拍下,是扫街是经常使用的拍摄方法。但是也不要在某个场景逗留过久,毕竟是扫街,多随意走动,要拍到一张好片子往往是一种缘分,说不定更精彩的瞬间就会在下一个街角发生。

街头纪实摄影经验谈
广州西关老城区,多少尘封往事的质感

扫街的时候往往要拍摄陌生人,这个对于摄影者似乎是一个心理障碍,往往是仓促按下快门,拍下被摄者惊愕诧异的表情。在扫街的时候,笔者认为沟通的技巧往往是最重要的,有些有趣的场景,或者需要近距离拍摄陌生人的时候,一两句简单的问候和善意提问,充满友善的笑容,常常可以缩近与被摄者的心理距离,对方如果不是在做非常规行为,一般会同意拍摄,对于在镜头前特别拘谨的人,可以在边聊天时边按下快门,多拍几张就可以得到理想的表情和动作。如果坚决不同意拍照的,应该停止拍摄或者按被摄者要求删除照片,这是对他人最基本的尊重。

对于抓拍和偷拍中被发现时候的质问,也应该友善处之,适当的应对很重要,笔者往往是傻乎乎的微笑并自称:“学拍照的,出来练习。”或“今天刚买相机,出来试下……”,往往会得到友善的回应,切记不要自抬身份为摄影师或记者,往往会弄巧成拙。咒骂不已穷追不舍的人笔者很少很少见到,人与人之间的壁垒往往是人的自心建造的,交流其实并不太困难。

街头摄影的常用技巧

街头纪实摄影经验谈
广州西关老城区,孤独晒太阳的老人,多少往事光影间篱落

扫街中,突发的场面处处可见,往往突发得往往连举起相机和自动对焦都显得太慢,因此盲拍的技术非常重要,所谓的盲拍,就是不看取景器也能大概预测某个角度能大致拍到什么画面和构图,这项技能需要练习同时也需要对相机焦段非常熟悉,可以在没事的时候拿相机先预测场景再盲拍,然后对照,如此反复锻炼一段时间可以较熟悉的掌握。盲拍在街头摄影中的应用非常广泛,比如在很靠近被摄者又不希望干涉对象的拍摄,还有对飞速瞬间的拍摄。还可以利用盲拍进行很低角度的拍摄,当角度足够低的时候,可以使得被摄事物显得高大,产生独特的视角新鲜感,还能使用天空为背景从而避开周围杂乱的环境。

街头纪实摄影经验谈
广州西关古玩城,外国游客

此外,你也可以采用举高双手跳起来盲拍得到俯拍的角度,这点要视乎你的体力状况,哦,当然还要注意安全。

相机的自动对焦如今是越来越快了,不过在很多场合还是没有时间对焦,这时要视乎你对相机的熟悉程度,笔者的做法在街上走的时候,相机从来不关机,而且苦练西部牛仔的拔枪手法,以便飞速从相机包里抽出相机。当然也有稳妥点的做法,就是使用每个焦段超焦距,比如50mm镜头的光圈为8的时候,对焦在三米距离,那么三米到无限远的距离都是合焦范围,使用这个特性可以使用手动对焦的方法,免去对焦的环节。

结语和题外话:

街头纪实摄影经验谈
我在这家老店守候良久,看着猫儿穿梭,跳上跳落,等候这个最合适的瞬间

对于街头摄影而言,最困难往往不是拍摄技巧的问题,而是你看待问题的角度。街头的景观如此丰富而且多变,你选取了什么主体,你选择了哪个瞬间,往往没有规律可循,而是取决于你的学识、气质、乃至人生阅历和价值取向。其实功夫在摄影之外,街头摄影某种意义上其实已经脱离了艺术的范畴,它与社会学、人类学、历史、政治、经济、哲学等等学科的相关更为紧密,一张照片往往承载的不仅仅是愉悦人们的美感,还承载了许多来自真实世界的信息,使人沉思,让人关注,为之动容,产生共鸣。

街头纪实摄影经验谈
一个光影美妙的角落,我举着相机屏息等候,等待这个少年跑入我的镜头

有人问某位摄影大师拍摄某张作品的光圈快门数据,大师回答:“这张照片的拍摄快门是五十年又二百五十分之一秒”。也许这个对答能给我们一些启发。

烟花摄影是很有挑战性但并非不可完成的任务。本文教给你一些晚间烟花摄影的小技巧和注意事项,从而帮助你抓取其中独特的视角。

烟花摄影技巧全攻略
关闭闪光灯,将你相机模式调为手动。

这有助你控制曝光时间可光圈大小。一个好的设置为:ISO 100, f/11, 1/2秒曝光。如果照片看起来较暗的话,保持光圈不变,调整快门速度。

提前到达,选好位置和角度。在烟花表演开始前,考虑现场的前景元素和背景色,并思考怎样将其融合在一起。在变暗前手动控制焦点。注意力集中在烟花将要出现的天空区域,或者等距离处。

烟花摄影技巧全攻略
马塞诸塞州的马布尔黑德的烟花。

烟花摄影中要求较长的曝光时间意味着较慢的快门速度。利用坚固的三角架和快门绳来保持你相机的稳定。当你所摄图像不仅包括天空还包括其他元素如城市在内时,保持水平稳定是非常重要的。确保你的相机在三角架上水平稳定。

烟花摄影技巧全攻略
7月4日(美国独立纪念日),纽约市高线公园上空的烟花。

尝试不同的摄影。摄影时焦距取决于你与烟花爆发点之间的距离以及你所想要捕捉的景象。

如果你想要近景摄影并展现细节的话,那么你需要使用一个变焦镜头并至少达到200mm。牢记改变焦距的话,大多数的变焦镜头都要求重新调整。在表演开始前光线仍然明亮时,检查这一点。

烟花摄影技巧全攻略
加拿大不列颠哥伦比亚省温哥华市上空模仿海胆性状的烟花。

用于捕捉烟花爆炸瞬间的最好方法是使用B门曝光模式(bulb mode)。该模式允许你根据不停变化的条件使用不同的曝光时间。你可以使用一种远程快门来避免触碰到相机。烟花开始时按住快门直到烟花逐渐消退为止,一般需要几秒。

烟花摄影技巧全攻略
密苏里州圣路易斯大拱门处的烟花表演,庆祝刘易斯和克拉克探险200周年。

在烟雾吹来的逆风处选择一个有利位置。这可以创造更舒适的摄影条件,从有利于摄影的角度来看,对烟雾的反射还能够增加更好的摄影元素。

烟花摄影技巧全攻略
观众在墨西哥湾观看烟花表演。

通过捕捉你周边事物来描述整个事件。当你摄影的主角是人物时,展现其脸部而不是光源以避免出现光表欺骗。

摄影入门第一步,就是学会使用你手中的相机。现在的数码相机功能越来越强大,别说新手,可能有些经验的老朋友都不一定清楚相机身上每个功能的作用。在所有这些复杂的按钮当中,最重要莫过于曝光模式了――全自动?程序自动?光圈优先?快门优先?全手动?如果你还没弄清楚它们之间的关系,不妨看看这篇文章补补课吧。

教你如何选择相机的曝光模式

为了说明各种模式的特性与适用范围,我们需要引入几个基础概念――曝光三要素,即曝光长短、光圈大小、感光度高低,这三个关键因素将决定最终的成像效果。

要素一:光圈大小

即镜头通光口径的大小,通常用f值来表示,f=镜头的焦距/镜头的有效口径的直径。f值越小,光圈越大,单位通光量越多;f值越大,光圈越小,单位通光量越小。例如:光圈f/1.8要比f/5.6的口径更大,单位时间内通光量更多!
同时,光圈也是影响景深的一个重要因素,在保持其它因素不变的情况下,光圈越大,景深越浅(虚化效果越明显);光圈越小,景深越深(清晰范围越宽广)。

教你如何选择相机的曝光模式
大光圈可以制造虚化,小光圈容易产生星芒。

教你如何选择相机的曝光模式
由此可见,我们通过控制光圈可以达到两个目的,一是控制光线的进入量,二是可以控制景深的效果。

要素二:快门速度

快门速度即是曝光时间,通常用分数来表示,速度越快,曝光时间越短,通光量越少;速度越慢,曝光时间越长,通光量越多。例如,1/250s的快门要比1/30s秒更快,也就意味着通光的时间更少,所以获取的光线也更少。

教你如何选择相机的曝光模式
同时,快门速度也决定了相机的抓拍效果,想要捕捉飞速运动的物体,我们就应该使用高速快门。

要素三:ISO

感光度(ISO),这是一个从胶片时期就流传下来的概念,代表感光材料对光线的敏感程度,ISO越高,感光元件对光线越敏感,达到同样效果需要的光线量越少;ISO越低,感光元件对光线越迟钝,达到同样效果需要的光线量越多。
不过由于数码相机感光元件的限制,高ISO下,画面容易产生噪点,所以许多摄影爱好者在拍摄时都在尽量压低ISO,以获得更加纯净的画面。ISO的意义,就是在光线条件极其不好的情况下,通过提升感光元件的灵敏性,从而解放光圈和快门的组合。

教你如何选择相机的曝光模式
大家可能会疑问,为什么文章主题是“相机的曝光模式”,却还要重复听这些无聊的基础知识?不要不以为然,这正是“教你如何选择相机的曝光模式”这一问题的关键所在。

一、P档及自动挡:适合纯新手或不想设置相机的懒同学

在我们常识里,往往认为P档就是新手档,这是有那么几分道理的。虽然P档与全自动档稍有不同的,但是它们的原理基本相同。
全自动档也就是傻瓜模式,全靠相机环境的测定制定出一套保证曝光足够的模式,他会自动选择白平衡、光圈、快门、ISO、闪光灯等一切手段促使拍摄成功,不会考虑拍摄意图。而P档是由相机根据拍摄环境,再结合内部储存的曝光资料来生成一个相对合适的光圈和快门的曝光组合进行曝光。看起来好像高级辣么一点,其实都是只需按下快门的傻瓜模式。

教你如何选择相机的曝光模式
固然,这种模式就是适合一无所知的新手,或是对相机设置毫无兴趣的“懒”同学。不过,使用这种方法并非意味着不思进取,有人认为,相机的程序曝光功能已经这么强大了,何不利用这个优势,把更多的时间花在提升在构图方面呢?手机摄影越来越厉害,也不都是P档的原理吗?似乎也有几分道理。

二、光圈优先模式:适合想要学习摄影并想要对光线进行深入了解的同学

顾名思义,摄影师根据自身所需先确定拍摄光圈,然后相机根据你的光圈给出一个保证合理曝光的快门速度。
使用光圈优先模式,首要考虑的就是景深的变化,对于不同的主题肯定需要通过不同的景深来表现。例如使用大光圈让人像的背景虚化:

教你如何选择相机的曝光模式
又如在风光摄影师中,使用小光圈保证足够的景深:

教你如何选择相机的曝光模式
需要注意的是,使用小光圈拍摄,相应的快门速度也会变慢,常常需要用到三脚架来固定相机。

就算使用光圈优先模式,也应该注意快门的速度。相机只会根据光线的通量来给出一个建议快门速度,它无法细致判定当时的拍摄环境,比如弱光环境,相机可能会根据你的光圈给出一个低于安全快门的速度,导致手抖。

教你如何选择相机的曝光模式
之所以说,这是最适合刚学习摄影的同学使用的曝光模式,是因为它涉及到了景深控制、曝光组合等设定,在每一次拍摄时,慢慢摸索这几个因素之间的关系,能够帮助你更好的理解曝光。

三、快门优先模式:用于创作特殊的摄影效果

与光圈优先模式相反,快门优先模式是先确定快门速度,然后相机给出一个适当的光圈大小。
根据我们以往的认识,拍照就是定格某个精彩瞬间,的确,有时候就是这么简单。例如在拍摄运动场景时,面对高速移动的物体,只有通过同样高速的快门才能够捕捉。

教你如何选择相机的曝光模式
我们在使用高速快门时,要注意是否有足够大的光圈或是ISO来保证曝光量。

通过控制快门,不仅能定格瞬间,还能“拖延”时间,例如在拍摄跑步或赛车,利用较慢的快门,拍摄时跟随画面主体移动,就能形成“主体清晰,背景模糊”的追焦效果。

教你如何选择相机的曝光模式
又或者是使用慢速快门,在拍摄时旋转你的相机,把普通的画面变得抽象起来。

教你如何选择相机的曝光模式

四、手动模式:适合认真玩摄影并有耐心持之以恒的同学

到了这一步,才是真正开始玩摄影。摄影说白了,就是利用光影来和这个世界玩一场游戏,而手动模式则是让你把这场游戏的规则都掌握在自己手中。
这里送上大家一句话,大家以后应该会深有体会――没有准确的曝光,只有合适的曝光。前面所说的几种自动模式、半自动模式,其实都有相机参与,相机帮你决定了一些参数设置,使你的画面变的“正确”而标准。

教你如何选择相机的曝光模式
但有的时候我们就是需要过曝、欠曝、需要模糊画面,才能更好地表现我们的画面。这时,只有通过手动模式才能实现了。

教你如何选择相机的曝光模式

既然是数码时代,手动模式也基本没有什么压力了,现在相机自带的测光功能已经非常强大,足以作为拍摄参考。
这张剪影就是一个非常好的例子,通过手动曝光,保证背景和前景点亮,主体人物变为剪影。如果交给相机自己来完成,很可能出现的情况就是人物曝光准确了,但是背景却过爆了。

教你如何选择相机的曝光模式
手动模式的另一个用法就是B门,也就是常见的长曝光。在长至数分钟的拍摄过程中,它需要摄影师对画面有一个独立的判断与把控,反复尝试、不断调整,直到画面获得合适的曝光为止,这是无法通过相机的自带功能判断的。

教你如何选择相机的曝光模式

总结

对于新手来说,如何去理解相机不同的曝光模式,以及怎样做出合理的选择,我们可以从这几点入手:
(1)如果你怕麻烦,不想在参数设置上花太多时间,请使用P档;
(2)如果你要学习摄影,理解相机与光影之间的关系,并控制景深,请使用光圈优先档;
(3)如果你需要控制曝光时间,例如拍摄高速运动、慢速特殊效果等情况,请使用快门优先模式。
(4)当然,如果你想要认真玩摄影,一定要学会使用手动挡。

教你如何选择相机的曝光模式

既然外出游玩,那自然少不了要带个数码相机作伴吧,毕竟谁都想在美丽的风景之中留下自己的回忆,所以旅游摄影就变成春节假期中最普遍的摄影主题。为此,我们按照过往的经验以及各大旅行社推出的热门线路,精心挑选了国内几个比较值得去拍、去玩的地方,并根据不同的环境、不同的拍摄目的,给出相应的摄影技巧方案,希望能够给驴友们带来一些启发和帮助——

在出发之前,我们还是非常有必要来了解一下拍摄中的最根本步骤——摄影构图。毋庸置疑,一副成功的摄影艺术作品,首先是构图的成功。而构图的基本原则讲究的是:均衡与对称、对比和视点,在取景、构图时,需要注意以下几点:

·突出主体

在拍摄之前,心里要像绘画前那样首先“立意”,考虑照片画面中,主要表现什么,被摄主体安排在什么地方。然后通过光线、色彩、线条、形态等造型手段,来达到突出主体的目的。

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图示:画面中的小竹筏并不比其它景物更重要,但没有它这张照片就失色不少,因为它是结构中心。

·视觉平衡

一幅构图达到视觉平衡的照片、能给人以稳定、协调的感觉。平衡有对称平衡及非对称平衡两种、非对称平衡的构图,往往比对称平衡的构图更富有动感。景物的大小、形状、重量和方向、以及色彩等都对视觉平衡有重要影响。

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图示:海与沙滩的分界线、女郎的背影构成的点,都在黄金分割位置附近。假设海与沙滩的比例相等,女郎走在正中,构图就很呆板。

·虚实相映

虚实是指被摄主体与空间前、后景的清晰、模糊的程度。运用的手法不外乎藏虚露实、虚实相间、虚宾实主、以虚托实。其目的是为了突出主体,渲染气氛,增强空间纵深感。实,主要是表现被摄对象的主体;虚、主要是表现被摄对象的陪体,以衬托主体,它是构成画面意境的重要环节。

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假如模特的眼睛在画面中间或者右侧,便使人物注视空间变短。

当然,摄影构图是一门非常艰深的课程,有大量专门的摄影教材,只能在这里简要介绍一些公认的具有普遍意义的法则,献给刚刚被日益普及的DC“拉下水”的初学者。下面,我们就从海南岛开始

海南岛:海景

这里有碧透的蓝天,无垠的大海,海湾蜿蜒,海浪雪白,沙滩舒展,微风习习,椰林婆娑,构筑出一幅迷人的图画,这就令人神往的海南岛……这样的度假胜地,地球人都知道去一次是不够的。

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拍摄大海风光照片,要注意突出海滨的特色。如礁石可以使画面带有曲线变化;升腾的云雾,飞溅的浪花,飞翔的海鸥使画面更生动,更有趣味。

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如要拍摄泳装人像,以人物为主,以周围景物和大海为陪衬。通常是上半身照和全身照,拍摄时被拍人的姿势切忌呆板,可以拍坐、站、转体、侧卧、仰卧等。

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拍摄时要注意用光。用逆光,能够拍出生动的浪花和光斑效果;用侧光,能较好的体现海水层次。对快门的速度也要注意,用 1/125 秒的快门速度,能把飞溅的浪花固定住,用 1/30 秒的快门速度,则会使画面模糊,但能产生动感。

海滨摄影,还要注意曝光。海滨地域辽阔,阳光强烈,水面反射光极大,所以在拍摄海滨照片时要适当减少曝光量,一般比在原野上拍摄要减少曝光量1~2 级。如一般摄影曝光用光圈 F11,速度 1/125 秒的话,那么在海滨拍摄时曝光只要用光圈 F16,速度 1/125 秒就可以了。曝光过度和偏多,水面在照片上将是白茫茫的一片,看不清水的层次了。

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海南岛的森林也是不错的

海边的光线很复杂,通常海水的曝光组合为1/125秒、F/16,人物为1/125秒、F/8,如果要同时拍摄海面、天空和人物,可将曝光组合设定为1/125秒、F/13。

哈尔滨:冰雕

去过国内最温暖的地方,接下来我们再去品鉴一下中国最冷酷的旅游圣地——哈尔滨。毫无疑问,这里的冰雕、雪景是最受人欢迎的拍摄对象。恰逢春节,这里的人们用巧夺天工的传统“冰灯”技艺,用从上万吨冰块中塑造出成千上万件冰雕艺术品,点缀在园林和街道上,为整个城市增添了神奇色彩。

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拍冰雕不比拍其它题材。事实是气温寒冷﹐即使有备而往也不能在馆内耽得太久﹐因此必须以速战速决应付之。假如慢条斯理﹐一定不能多拍﹐选景要快﹐决定构图要快。因此﹐在决定如何拍摄﹑采用什么技术应付﹐也应心中有数才好。

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要熟悉所拍摄的冰雕题材,了解作品的内容和它的艺术造诣。冰雕取材广泛,造型万千。拍摄前要认真观察和捉摸,才能把作品的艺术风格和特色尽量表现出来。

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拍摄时间的选择。在阳光下拍摄冰雕雪塑,最好利用早晚富于彩色变化的光线和由于光位低造成的强烈透射效果,能够使作品“玉洁冰青”。入夜拍摄冰雕,最理想的时间是在夜幕欲降,华灯初上的时候,冰雕的色彩在暗兰色天幕衬托下显得艳丽多姿,若挂有一轮明月,那就更为动人。

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关于背景的选择和处理,同拍摄其它题材一样,要特别注意避免由于贪大求全和杂乱无章,背景的亮度和颜色要尽量与所表现的主题有所区别,一般以暗淡、素雅为宜,起到陪衬作用。

北京:故宫

领略过色彩斑斓的冰雕,接着我们来到了气象万千、金碧辉煌的故宫,它是世界现存最大、最完整的木质结构的古建筑群。这里有数不清的墙、数不清的门、数不清的院落、数不清的窗户、数不清的屋檐,总而言之,既有整体感,又变化多端。就象一个迷宫似的,任何相机在这里都会力不从心。

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去到故宫的游人往往都会觉得镜头太小、广角不够。其实拍摄故宫更要懂得靠艺术手段,以小见大。比如说,在景山上用长焦头拍摄故宫的东六宫,后妃们住的地方。长焦头有个特点:视角窄,空间感差,有压缩感,这样就让宫殿的屋顶改变了它的透视关系,使它们之间的距离比实际的距离更近,这样,虽然是一个局部,但是能引起你对宫殿之海的丰富想象,屋顶就象海浪一样层层叠叠的,更加有气势。

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此外,一般说来,冬天是最适合拍摄故宫的季节,因为冬天的阳光是偏南的,因为故宫的建筑都是朝南的,阳光的倾斜度比较大,也比较便于表现故宫。

广州:美食

食在广州,众口皆碑。饮食业的发展已成为广州旅游业发展的重要内容。广州食肆众多,规模或人或小,遍及大街小巷。老字号的酒家更是比比皆是,伴溪酒家、广州酒家、南园酒家,北园酒家、莲香楼、陶陶居都是声名远播、妇孺皆知的饮食老店。所以说,来到广州,不拍点美食样片就算是白搭了。

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拍美食照片时白平衡是一个要注意的地方。美食讲究色、香、味,色一定要比较讨好视觉。餐馆里的光线环境一般比较复杂,如果用自动白平衡很容易偏色,所以手动白平衡和良好的闪光灯控制也是相当必要的。拍摄前先对着桌子上白色的餐巾纸或者盘子来设定手动白平衡。拍摄的时候建议选用A/M档,光圈最大,微距模式,先把手腕或者胳膊支在饭桌上,保持相机稳定(用碗、茶杯、菜谱等作为“临时脚架”也不失为一个好的办法),ISO用100或者200,不开闪光灯先拍几张,回放查看效果。

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如果餐厅的光线条件不错,不开闪光灯就能拍出清晰的画面和不错的色泽,那么就尽量不要用闪光灯,将曝光补偿略微提高一点,会让食物看起来更鲜亮好看。如果发现快门速度过慢导致画面抖动模糊或者食物没有光泽不好看,则需要将ISO改为64、100或者自动,开启闪光灯用慢速同步闪光(用慢速同步闪光的好处是既可以拍清楚食物,又可以让色调与氛围自然)。

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美食色彩的搭配也很重要。如果大家能够留意一下比较高档的酒楼的菜式,就会发现厨师在把菜做好之后,一般会加一些伴碟用青红辣椒或者花花草草之类的东西。原因很简单,就是让菜式的颜色更为丰富。所以在拍的时候,色彩的搭配也很需要重视,如果画面上是清一色的红色或者绿色,肯定不如色彩相互搭配来的吸引。

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拍摄时菜式摆放的角度也很讲究的,有的菜正面拍会有反光,侧面拍就不会反光,灯光也会根据菜式造型、角度有所改变。每道菜要突出它的特色,突出他的主料,而不是有的菜上面放一大堆香菜、葱花,根本突出不了菜式的特点。

港澳:都市夜景

香港维多利亚港的夜景是为世界三大夜景之一,想要观赏举世闻名的“维港夜色”,可以在尖沙咀的星光大道观看幻彩咏香江;也可以到太平山顶俯瞰全港风光。最佳拍摄时间为夏天日落后30~45分钟(冬天约日落后15~25分钟),称之为黄金交叉时间。

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一般我们对拍摄夜景的认知,大部分是相机上脚架,使用长时间曝光及小光圈以获得最长的景深,保持全画面的清晰。维港夜景其特色之一是雷射表演,因此雷射的光束务必要出现在画面中才能尽收完整特色。然而,雷射并不是持续出现,而是出现个几秒就消失,时间极短,因此如果使用长时间曝光,会因为雷射来回扫动而拍出雾状的雷射痕迹,加上你根本不知道雷射什么时候从哪个大楼打出来。

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所以,拍摄时不要等雷射打出来才按快门,也不要使用自拍器,否则极可能来不及捕捉雷射的轨迹,最好是一直持续使用快门线按下快门,以数量换取成功率。

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至于澳门,最值得一拍的当然是葡式建筑了。很有西欧风格,同时又有中国传统的庙宇祠堂、民居,可谓中西合璧的完美典范。拍摄的时候要尽量体现出它出彩的一面。

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使用不同的焦距拍摄建筑物,所产生的影像效果不同。我们把50mm焦距镜头称为标准镜头,其拍摄出来的照片与我们的视觉相同,最能反映事物的客观性。以这个焦距为基准,焦距越长,透视感越差。镜头焦距越短(28mm或24mm),建筑物变形越大,但透视效果好,画面的纵深感也能得到较好的表现,同时还能获得大范围的清晰度。

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在拍摄建筑物时,天空感是一个重要的条件。晴朗的天空或有暴风雨的天空可能产生戏剧性的画面,但应尽可能避免在阴暗的天空,极端的天气情况。

 小结:

其实,一幅在技术上虽有缺陷,但画面比较活泼的照片,比技术上无大毛病却过于呆板的照片更加受人欢迎。因此,在旅游摄影中,还不妨采用抓拍的手法,不加干涉地拍摄一些诸如行路、篝火、爬山、涉水、交谈、游戏、晚会等独特生动的旅游生活场面,反映丰富多彩的旅游生活。